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DIAS ONLINE

30 marzo, 2009

Plástica: Gabriela Rivas, pintora argentina


una breve muestra de una pintora argentina, Gabriela Rivas quien, según sus propias palabras: "junta el arte y la lucha, pues desde hace años me propuse llevar el arte a los lugares donde nadie se anima a llevarlo".

Se trata de cuatro obras: "Baja de imputabilidad", "Racismo y Prisión" (inspirado en su propia experiencia en la cárcel de Batan (Mar del Plata), "Libertad" y "Tranculturización".

En función de su propuesta artística, Gabriela intenta "llevar el arte a las barriadas más humildes para enfocarnos en "protestar" a través del mismo". No pretende desarrollar muestras de plástica sino que propone a los espectadores "que pinten, que se expresen, a puteen con cuadros para luego hacer una movida en la plaza frente a la catedral con los 'cuadros protesta'"

Imagen 1: Baja de imputabilidad
Imagen 2: Libertad
Imagen 3: Racismo y Prisión
Imagen 4: Transculturización

29 marzo, 2009

Cintia Clara Romero


He pensado en intercalar grandes maestros con artistas no tan conocidos en general pero si en particular en el mundo del Arte.
En este caso presentamos a Cintia Clara Romero.
Artista visual / Gestora cultural independiente / Docente.
Ataliva, Santa Fe, 1976. Vive y trabaja en Santa Fe. Argentina.
Estudios

2000/2005 - Universidad Nacional del Litoral. Santa Fe. Egresa como Licenciada en Artes Visuales.
1995/2000 - Escuela Provincial de Artes Visuales Juan Mantovani. Santa Fe. Egresa como Profesora de Artes Visuales.

Muestras individuales

2005 - “Obra en construcción”. Museo de Arte Contemporáneo. Santa. Fe.
2004 - “Diarios de viaje”. Boquitas Pintadas. Buenos. Aires.
2003 - “Los viajes”. Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodríguez. Santa Fe.

Algunas muestras colectivas

2007 - Arteba/ Barrio Joven: stand de Germina Campos. Buenos Aires.
2006 - “Pares discontinuos”. Espacio de Arte Imago. Fundación OSDE. Santa Fe.
2006 - Premio OSDE a las artes visuales, obras seleccionas de la región centro. Espacio de Arte Imago. Santa Fe.
2005 - Periférica: stand de Germina Campos / Contemporánea. Centro Cultural Borges. Buenos Aires.
2005 - “2D”. Centro Cultural Parque de España. Rosario.
2005 - Invitada a participar de los encuentros Perfil de Artista organizado por TRAMA y realizados en el C.C.E.B.A. Buenos Aires.
2005 - Arteba: stand de Boquitas Pintadas. Buenos Aires.
2005 - “Bienestar”. La Baulera. Tucumán.
2004 - “En/caja”. Museo de Arte Contemporáneo. Santa Fe.

Becas

2006 - Fondo Nacional de las Artes. Beca para el desarrollo de proyectos grupales (Germina Campos- Espacio nómade de gestión cultural independiente).
2006 - Fondo Nacional de las Artes. Beca de perfeccionamiento para asistir al taller Artes, redes y comunicación, dictado por Julia Masvernat y Dina Roisman.
2006 - Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Santa Fe. Beca de producción.
2006 - Fondo Nacional de las Artes. Beca de perfeccionamiento para asistir al taller Lecturas en arte, ocho preguntas, dictado por Alicia Romero y Marcelo Jiménez.
2005 - Fundación Nuevo Banco de Santa Fe. Beca de perfeccionamiento para jóvenes artistas de la provincia.
2004/2005 - Fundación Antorchas. Encuentros de Producción y Análisis de Obras. Paraná.
2002/2003 - Fundación Antorchas. Encuentros de Producción y Análisis de Obras. Santa Fe.

Gestión Cultural/Curaduría

2006 - Integra el Espacio Nómade de Gestión Cultural “Germina Campos” organizador, productor y curador de la muestra “Pares discontinuos”. Espacio de Arte IMAGO- Fundación OSDE. Santa Fe.
2005 - Integra el Espacio Nómade de Gestión Cultural “Germina Campos” organizador, productor y curador del envió de Santa Fe a Periférica: 1º feria y encuentro de espacios de arte gestionados por artistas. Buenos Aires.
2005 - Integra el grupo de producción visual Simposium organizador, junto con el Centro Cultural Rojas- UBA y la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Santa Fe, del ciclo de cursos de arte contemporáneo “El Rojas en el Rosa”.
Agosto: Arte contemporáneo: corrientes teóricas y casos prácticos/ Eva Grinstein.
Septiembre y octubre: Orientación y seguimiento de proyectos en arte/ Alicia Herrero
Noviembre y diciembre: Clínica de obra / Esteban Álvarez.
Museo provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodríguez. Santa Fe.
2004 - Integra el grupo de Gestión Cultural Independiente de Santa Fe y Paraná (conformado por Marco Bainella, Agueda Guarneri, Federico Lanzi, Lucas Mercado y Fernanda Aquere) organizador de la Charla- Debate: “Como poner en palabras la obra del artista”, a cargo del artista plástico Remo Bianchedi. Museo Municipal de Artes Visuales Sor Josefa Díaz y Clucellas. Santa Fe.
2001/1998 - Integra la comisión organizadora del “I / IV Encuentro de Arte por una Memoria Viva”. Casa de la Cultura. Santa Fe.

PROYECTO GERMINA CAMPOS
muestra:

Flyer

Muestra
Muestra

50 metros es 9 horas (proposiciones acerca de cómo ocupar el tiempo y el espacio)
Objeto s/ muro
Cinta de enmascarar
2009

50 metros es 9 horas (proposiciones acerca de cómo ocupar el tiempo y el espacio)
Objeto s/ muro
Cinta de enmascarar
2009
-
Hace tiempo no me sentaba justo aquí en el punto equidistante a todos los puntos que forman el jardín. Elevo la cabeza y veo un trozo de pleno cielo y muchos pedacitos semicelestes que aparecen entre las hojas del cafeto que ya casi todo lo cubre. Repentinamente me doy cuenta de su voraz crecimiento, como así también, en ese mismo instante, me detengo en el modo bello en el que se relacionan las plantas de aquel rincón. Una hoja parece apoyarse en otra, y así solidariamente van construyendo un sistema de formas que me parece se acerca a lo que entiendo por perfecto.
El verano parece haber alcanzado su plena dimensión y temo que ciertos vientos cálidos atenten contra el verde por eso comienzo a hacer algunos planes. Ubico el regador en la parte noroeste y cada quince minutos lo iré corriendo hasta cubrir toda la superficie. Si el jardín tiene casi veinticinco metros cuadrados y la pequeña llovizna artificial, a falta de presión, moja en un diámetro de metro y medio, calculo que esta tarea me demandará aproximadamente tres horas. Esta es la única cita a la que tengo que responder esta tarde en la que mi agenda es un sinsentido; y eso de ser ama y señora del tiempo, debo admitir, es un desafío al que tengo que responder con valentía y creatividad.
Corro por quinta vez la flor de agua y sigo mirando, esta vez, el encadenamiento sutil que existe entre la rama, el tallo y las hojas del laurel. Tallo hoja, tallo hoja, hoja tallo, línea que se vuelve sobre sí formando otra hoja y sigue.
Una imagen conduce a una idea y esa a otras, una idea se vuelve sobre otra y se entrelazan todas del mismo modo bello que la enredadera del rincón. Hoy la percepción sutilizada de las cosas que siempre estuvieron aquí se manifiesta en un tiempo otro donde un minuto parece no tener sesenta segundos.
………………………………………………
Un minuto que no tiene sesenta segundos es un proyecto curioso sostenido por el deseo de conocer qué hicieron algunos de los artistas que más nos gustan durante el verano. Sea este un tiempo sabático, de descanso, o uno más en nuestra agenda laboral cierta idea de atemporalidad parece contagiar los días. Si no somos nosotros los dichosos de poder disfrutar de una temporada de vacaciones, seguramente otros sí y esos otros determinan un cambio de frecuencia. Sospechamos que es una especie de recreo donde el tiempo libre y de ocio potencian el surgimiento de nuevas ideas, la experimentación o simplemente el hacer despojado de pretensiones.
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Nos movilizó la idea de obra (aún) “no reconcida”. Aquellos trabajos que aparecen y los dejamos en una especie de limbo privado sometido a las pruebas del pensamiento. Deseamos liberarlos de ese estatus y simplemente disfrutarlos. Ejercicios, experimentos, producciones hijas del puro placer o simplemente trabajos que continúan con el desarrollo de proyectos anteriores presentan León Ferrari, Horacio Zabala, Nicolás Balangero, Mariana de Matteis, Emilse Barbosa, Lali Martínez Spaggiari, Luciano Burba, Claudia del Río, Ponchi, Lorraine Green, Luciano Ominetti, Cecilia Orso, Cintia Clara Romero, Fernanda Aquere, Rubén Marino Tolosa, Diego Vergara y Rosana Storti, en esta muestra.
Deseamos reunir en el muro de una marquetería las producciones de amigos a cuyo trabajo siempre seguimos atentamente, las de otros artistas que no conocemos pero nos encantan y las de aquellos a los que admiramos eternamente y agradecemos el gesto poderoso de haber aceptado la invitación.
Así como en Facebook, sólo que ya no en una modalidad virtual sino física, subiremos al muro obras realizadas durante este segmento laxo de tiempo que son las vacaciones, con el propósito de compartir lo que hacemos, conquistar amigos, consolidar lazos y alentar posibles proyectos en conjunto. Otros visitaran y dejarán sus comentarios, y seguramente desearemos ¡hacernos fan de alguno!
De este modo deseamos celebrar la culminación del Proyecto Estaciones que desde diciembre de 2006 Germina Campos desarrolla en espacios no convencionales de exhibición. Debido a que uno de los pilares de nuestro funcionamiento es el nomadismo en este tiempo nos apropiarnos de las posibilidades que brinda la web, como así también del espacio público y comercial para desarrollar 8 proyectos que han involucrado a 74 artistas de 9 provincias de la Argentina, así como también de Bolivia, Perú y México.
- Proyecto Verano 07: Pares discontinuos. Artistas: Juan Maximiliano Cáceres, Leo Chiachio y Daniel Giannone, Federico Lanzi, Emiliano Quintana, María Elena Machuca, Viviana Macías, Lali Martínez Spaggiari, Yamandú Rodríguez, Alejandra Tavolini, Pablo Pisacco, Horacio Vallejo, Mercedes Schamber, César Tschanz y Ponchi. En www.germinacampos.com.ar.
- Proyecto otoño 07: Buenas malas y regulares ideas. Artista: Narda Alvarado. En www.germinacampos.com.ar.
- Proyecto invierno 07: Tour. Artista: Cintia Clara Romero. En www.germinacampos.com.ar.
- Proyecto primavera 07: Pic Nic. Artistas: Malena Acosta, Pachu Arce, Luciana
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Berneri, Luis Berneri, D.J. Buenmozo, Maximiliano Cáceres, Sandra Carriel, María Cavallero, Alejandro Cides, Florencia Díaz, Rina Di Loro, El Gorgojo, Gerardo Feldstein, Victoria Ferreira, Alejandra Ocampo, María Julia Iglesias, Nancy López, Santiaga López, Viviana Macias – Archivo Vivo, Pamela Niñez, Alejandra Ocampo, Florencia Osuna, Lucrecia Pelliza, Paula Pinedo, Ponchi, Analía Regué, César Rivera, Marcela Rodríguez, Cintia Clara Romero, María Santa Cecilia,
Analía Sagardoy, Alberto Serruya, Rosana Storti, Liliana Szczyrba, Horacio Vallejo, 111 recién pintado, Lali Martínez Spaggiari y Juan Manuel Ipiña. En www.germinacampos.com.ar.
- Proyecto verano 08: CONVI. Artistas: Mateo Amaral Junco, Maximiliano Bellamnn, Esteban de Alzáa y Mónica Heller.
En www.germinacampos.com.ar.
- Proyecto otoño 08: Piel. Artistas: Luciana Berneri, Milton Kalbermatte, Alejandra Mizrahi, Cecilia Paredes, Claudio Pereyra, Paula Pinedo, María Eugenia Regueira, Soledad Sánchez Goldar, Liliana Sánchez, Anabel Vanoni y Fernanda Aquere. En www.germinacampos.com.ar.
- Proyecto invierno 08: Antártida. Artista: Andrea Juan.
En www.germinacampos.com.ar.
- Proyecto primavera 08: Entre ramas. Artista: Ponchi. Ciclo de intervenciones en cadena de bares Triferto, Santa Fe.
- Proyecto Verano 09: Un minuto que no tiene sesenta segundos. Artistas: León Ferrari, Horacio Zabala, Nicolás Balangero, Mariana de Matteis, Emilse Barbosa, Lali Martínez Spaggiari, Luciano Burba, Claudia del Río, Ponchi, Lorraine Green, Luciano Ominetti, Cecilia Orso, Cintia Clara Romero, Fernanda Aquere, Rubén Marino Tolosa, Diego Vergara y Rosana Storti. Muestra colectiva en Taller de marcos para cuadros, Santa Fe.
Cintia Clara Romero, enero 2009

23 marzo, 2009

ZARIQUIEGUI




Zariquiegui

Técnicas Mixtas


Maestra Nacional de Artes Visuales, Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes "Manuel Belgrano".
Profesora Nacional de Grabado y Dibujo, egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón".
En 1982 fué distinguidapor el fondo Nacional de Bellas Artes y la Embajada de la República Federal de Alemania, con la Beca de perfeccionamiento e investigación en grabado "Alberto Durero", que cumplimentó durante el período 1983/1985 en Freiburg y München.
Invitada por la Academia Nacional de Bellas Artes, participó en el Premio "Guillermo Facio Hebequer" versiones 1987/1989 y en 1991 obtuvo "Mención de Honor".
Entre los 37 Premios obtenidos merecen destacarse: el "Gran Premio de Honor" máximo galardón del Salón Nacional-Sección Grabado-, el Premio único Monocopia del Salón Municipal "Manuel Belgrano" y los Primeros Premios del Salón Municipal de la Plata, de Río Cuarto (Córdoba), Nacional del Chaco, de General Roca (Río Negro), de Santa Fe, en dos oportunidades Premio Kolar otorgado por el Museo del Grabado (Buenos Aires)- Premio "Ciudad de Córdoba" (Córdoba).
Su obra se halla representada en museos del país y del extranjero, en colecciones privadas y en organismos nacionales. Publicada en el "Contemporary Art Print The World", impreso por Missol Gongron S.A. Seúl, Korea en editorial Cooperación con el Centro de Arte Internacional de Kyoto, Japón.-Anuario Latinoamericano de Artes Plásticas-editado en Argentina-"al sur del sur "ediciones" Arte & Antiguedades".

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Hace mucho tiempo que sabemos -varios siglos ya- que la pintura pasa más por lo mental que por una realización formal, más por los conceptos que contiene que por la naturalidad. Incluso hay artistas que han negado o limitado los conceptos de esta última a lo mínimo, casi prescindible. Es entonces en el mundo de la conciencia o del subconciente donde el artista centra su creatividad y la manera de hacerla visible será ya no a través de objetos existentes y discernibles fácilmente, sino de otros creados para tal fin.

En muchos casos, esa creación se produce reorganizando lo que existe; tomando sus elementos fragmentarios y construyendo con esas nuevas partes un nuevo todo expresivo. Ahí es donde se situá estas obras de Estela Zariaquiegui. Con los fragmentos de lo que preexiste en la naturaleza y en las cosas, elabora una realidad que se corresponde a la configuración de sus ideas y sentimientos. En vez de cargar en los objetos su intencionalidad expresiva, crea otros.

Puede decirse que la artista llega a ello tras una larga búsqueda que la ha ido emancipando del grabado -medio en el que se destacó desde muy jóven- para elaborar obras únicas en técnicas mixtas que no excluyen al grabado pero que no están supeditadas a él.

Más allá de la variedad de elementos y de recursos con que conforma sus imágenes, de una dinámica de origen gestual, hay cierto dramatismo en su mirada que el color acentúa. Pero no hay desesperanza. En la persecución de estas esencialidades fugaces, inasibles, del ser que deviene conformándose en cada uno de nosotros en constante incompletitud, Estela Zariaquiegui expone visualmente esa vivencia de lo contingente de la que el artista es un privilegiado.

22 marzo, 2009

jugando a la RAYUELA con CORTAZAR.





Una mujer sortea la prueba, ayer la tarde, en la 9 de Julio. En el cierre de los homenajes por los 25 años de la muerte del gran escritor, la artista Marta Minujín creó 120 rayuelas. Y grandes y chicos se prendieron en el desafío.

Ayer a la tarde, durante dos horas, dos carriles de la siempre muy transitada avenida 9 de Julio, entre Bartolomé Mitre y Perón, permanecieron cortados no por reclamos políticos sino por un evento artístico.

El Obelisco fue testigo de una acción pública del arte efímero de Marta Minujín. Invitada por el Ministerio de Cultura porteño para cerrar un programa de homenajes al escritor Julio Cortázar, a 25 años de su muerte, la artista imaginó un centenar de rayuelas desplegadas sobre la avenida 9 de Julio.

Y así se hizo. Su diseño de una rayuela multicolor de unos cinco metros fue ploteado cien veces y adherido a la avenida. Cada jugador estaba invitado a ir desde la Tierra hasta el Cielo, lanzando una "piedra mágica" -un cubo de telgopor cubierto con un papel fucsia- firmada por la artista. La consigna indicaba que si lograba llegar sin perder hasta la quinta rayuela de la hilera el jugador se llevaba esa piedra como premio. El poco tiempo de juego -30 minutos- y la falta de rigor de los participantes hizo que los colaboradores entregaran los "premios" al azar. Los participantes, mayoría jóvenes, subsanaron con alegría los inconvenientes de la organización.

Sin fronteras

"No pudimos jugar mucho porque el tiempo fue muy corto", dijo Martina Mainardi, que concurrió acompañada por cuatro de sus compañeros del 6° año de la escuela ORT. Dana Lerner, de 17 años, agregó: "Me imaginaba otra cosa, una escultura o algo más producido, pero igual me gustó porque la gente lo pasó bien y se divirtió".

En cada rayuela un empleado de las bibliotecas populares sostenía una colorida pancarta con frases descriptivas de la propuesta: "Este suceder es eterno"; "Usted está viviendo el arte" y "Esta instalación en movimiento sacude nuestra imaginación". Una veintena de saxofonistas de distintos grupos musicales improvisaron temas de Charly Parker y repitieron infinidad de veces la indicación de Minujín: tocar las siete notas musicales.

"Este es un corte de tránsito maravilloso. Cortázar es un gran escritor, que trascendió fronteras, como yo", dijo sin pudor la artista cuyas creaciones de arte efímero, como el Partenón de libros, el Obelisco de pan dulce o la Venus de queso le valieron un reconocimiento internacional.

La entrada simbólica para poder jugar era tener en la mano un libro de Cortázar, el fragmento de un cuento o el nombre del autor escrito en una hoja. Con una impresión del cuento "Lucas, sus pudores", Luis Montoya, un mexicano de 21 años, afirmó: "Que los números y el azar invadan la calle es demasiado simbólico".

Micrófono en mano, la artista caminó todo el tiempo entre el público alentando a los jugadores a saltar y recuperar la infancia. Con simpatía y sin filtros, aceptó los saludos y comentarios de todos. "¿Sos fanática de Cortázar, Marta?", le preguntó una joven y ella sonriendo respondió: "No, en realidad yo soy fanática de Marta Minujín".

FRASES DE CORTAZAR

Ven a dormir conmigo: no haremos el amor, él nos hará.

¿Hasta cuándo vamos a seguir creyendo que la felicidad no es más que uno de los juegos de la ilusión?

Nada está perdido si se tiene el valor de proclamar que todo está perdido y hay que empezar de nuevo.

No me creas demasiado optimista; conozco a mi país, y a muchos otros que lo rodean. Pero hay signos, hay signos.

Cuando mis cronopios hicieron algunas de las suyas en Corrientes y Esmeralda, una heminente intelectual exclamó: ¡qué lástima, pensar que era un escritor tan serio!.


Para qué volver sobre el echo sabido de que cuanto más se parece un libro a una pipa de opio más satisfecho queda el chino que lo fuma, dispuesto a lo sumo a discutir la calidad del opio pero no sus efectos letárgicos.

Los libros van siendo el único lugar de la casa donde todavía se puede estar tranquilo.


Si la personalidad humana no adquiere toda su fuerza, toda su potencia, entre las cuales lo lúdico y lo erótico son pulsiones fundamentales, ninguna revolución va a cumplir su camino.


El ajedrez es un juego que me apasionó de joven, pero un buen día me empezó a tomar demasiado tiempo y entonces lo eliminé.


Un mundo donde te movías como un caballo de ajedrez que se moviera como una torre que se moviera como un alfil.


¿Quién los ve andar por la ciudad si todos están ciegos?




11 marzo, 2009

Antonio Berni/algunas muestras de su obra










ANTONIO BERNI (MAESTRO ARGENTINO DE PINTURA)




Delesio Antonio Berni nació en la ciudad de Rosario (Provincia de Santa Fe, República Argentina), el 14 de mayo de 1905.Pintor y grabador argentino nacido en Rosario, provincia de Santa Fe el 14 de Marzo de 1905; muerto en Buenos Aires, el 13 de Octubre de 1981.
Su padre, Napoleón Berni, italiano de origen y sastre de profesión, fue uno de los tantos inmigrantes europeos que se instalaron en esa populosa e importante ciudad.

Su madre se llamaba Margarita Picco, argentina de origen pero hija de italianos radicados en Roldán, un pueblo de la Provincia de Santa Fe que tendrá gran importancia en la vida de Berni.

En 1914 ingresó como aprendiz en el taller de vitrales Buxadera y Cía. Allí recibió las enseñanza de su fundador, N. Bruxadera, un artesano catalán. Poco tiempo estará en este taller, ya que entre 1914 y 1915 su padre volvió a Italia.

Berni, entonces es enviado a la casa de sus abuelos en Roldán.

Napoleón Berni murió durante la Primera Guerra Mundial, no se sabe ni cómo, ni cuándo, ni dónde.

A pesar de que Antonio se alojó en Roldán, estudió pintura en el Centro Catalá de Rosario con los maestros Eugenio Brunells y Enrique Minné.

Comenzó sus estudios vocacionales en su ciudad natal, completando su instrucción en Europa, mediante becas otorgadas en 1925 por el Jockey Club Rosarino y por el gobierno de la provincia de Santa Fe. Viajó por Francia, España, Italia, Bélgica y Holanda, visitando sus principales museos y los talleres de artistas famosos. Se radicó en París hasta 1931, siguiendo cursos de perfeccionamiento en la academias de André Lothe y Othon Friesz.

De ese período se conservan una serie de desnudos figurativos con influencias de estos dos grandes maestros europeos, realizados en París. Precozmente debutó en público con una muestra personal en el año 1921 en la Galería Witcomb de Rosario, realizando dos años después en la Capital Federal otra exposición de sus obras. Luego efectuó con regularidad diversas presentaciones particulares en distintos salones de Rosario, Buenos Aires, Montevideo, Madrid, París, Varsovia, Berlín, Moscú y Bucarest. Desde 1925, en que participó por primera vez en el certamen oficial del viejo Salón de Retiro, concurre con asiduidad a la mayoría de las competiciones nacionales y provinciales, en las que obtuvo numerosas y significativas distinciones, cuyas principales enumeraremos:

Premio Adquisición Salón Nacional (1925), Primer Premio Salón Nexus de Rosario (1926), Segundo Premio Municipal Salón Nacional (1936), Segundo Premio Salón Municipal de Córdoba (1944), Primer Premio Panel Decorativo Salón de Artes Decorativas (1937), Primer Premio Composición Salón Nacional (1937), Primer Premio Salón River Plate (1939), Primer Premio Salón Nacional (1940), Primer Premio Salón de Santa Fe (1941), Gran Premio Adquisición Salón Nacional (1943), Premio Internacional de Grabado y Dibujo de la Bienal de Venecia (1962) y en Lujbiana (1965), Cracovia (1966) y Berlín (1967). Formó parte en diferentes exhibiciones de grupos o sociedades artísticas, siendo invitado a concurrir a numerosas exposiciones nacionales e internacionales, entre otras: Uruguay, Chile, San Francisco, París, Nueva York, Madrid y en distintas ciudades de Estados Unidos.

Ha realizado varios paneles decorativos, bocetos escenográficos, ilustraciones y colaboraciones en libros, periódicos y revistas del país y extranjeros.

Fue miembro jurado en numerosos salones nacionales, provinciales, municipales y societarios. Fue Presidente de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos y Profesor de Dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes. En 1941 la Comisión Nacional de Cultura lo encomendó para realizar estudios sobre arte americano y precolonial en los países de América. Está representado en los principales museos provinciales del país, en el de Bellas Artes de la Boca, en el Municipal de Bellas Artes Plásticas Eduardo Sívori y en el Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. En el museo de Arte Contemporáneo del Hemisferios Occidental (EE.UU), en el Nacional de Bellas Artes de Montevideo y en el Nacional de Arte Moderno de Nueva York. Museo de Saint Denis (Francia). Ha reflejado en sus obras de caballete, en sus ilustraciones o en sus murales temas de ambiente popular, rurales o urbanos, en que describe tipos y costumbres argentinos con un significado de prédica social.

Con motivo de una exposición retrospectiva de la obra de Berni, entre los años 1922 y 1965. efectuada en el Instituto Di Tella de Buenos Aires en esa última fecha, dijo Jorge Romero Brest: "Cuando un artista llega a tener cincuenta años está generalmente fijado, lo que significa adopción de los supuestos para trabajar en la segunda parte de su vida.

Es cierto que nuestra época es cada vez más reacia al ¨estilo¨, induciendo a cambios que los desnaturalizan; es cierto que más prudente es hablar de ¨actitud¨ para denominar lo permanente en la obra de alguna manera y por ahora el ¨estilo¨ o la ¨actitud¨ perdura como estructura flexible de formas aun en la obra de los más avanzados. Por eso sorprende el ¨cambio¨ ocurrido hace aproximadamente cinco años en el modo como en Antonio Berni. Porque parece no haber conservado ni siquiera la ¨actitud¨ , abierto a un abismo entre las imágenes de corte ¨neorrealista¨ que hizo anteriormente y las que relatan la vida de Juanito Laguna o Ramona Montiel.

Como si hubiese girado ciento ochenta grados y descubierto el ámbito de la poesía visual que le había sido esquivo. Sin embargo el abismo puede no ser profundo y el giro no tan amplio, ya que Berni persona sigue siendo Berni, sin que haya evidenciado un ¨cambio¨ en sus ideas y en su conducta. ¿Cómo no plantear abiertamente el ¨caso¨ entonces, si a consecuencia del ¨cambio¨ obtuvo uno de los premios en la Bienal de Venecia en 1962. Para hacerlo se ha organizado esta exposición, en la que Berni presentará sus obras últimas y algunas anteriores; curioso él mismo, estoy seguro, de los resultados del cotejo. Y suspendo el juicio para dar a mi experiencia más libertad

La pintura de Antonio Berni recoge elementos fundamentales de la pintura europea de finales del siglo diecinueve y principios del veinte y los incorpora a su visión argentina y por tanto nostálgica, dramática, o intensa de América, con la resultante de una pintura de gran madurez y sobriedad plástica muy en el espíritu de su lugar y de su época. Aunque nunca abandona la figuración, Berni sabe transformar de manera innovadora sus personajes más conspicuos y dotarles de inusitadas maneras, por ejemplo en la serie de los Monstruos de Berni, premiada en la Bienal de Venecia, en 1962.

Sutiles, y al mismo tiempo poderosos, los caracteres de Berni, Juanito Laguna y Ramona Montiel personifican la repetida y siempre asombrosa historia de la supervivencia humana de los niños en las grandes ciudades del mundo. El placer que se torna dolor, el dolor que se transforma en arte y en testimonio y ese desdén propio del tango, se manifiestan visualmente en estas series que presentará la Galería Annta en estos días. Los implacables monstruos sociales y sus víctimas preferidas, niños indefensos, son tomados por Berni para acercarnos a su mundo íntimo y esencialmente tierno.

Las biografías dedicadas a Berni coinciden en señalar su primer contacto con el grabado durante la estancia del artista en París en los años veinte, y concretamente de la mano de Max Jacob. Pero el desarrollo del perfil de Berni como grabador se consolida a partir de 1960 con la realización de sus series de xilografías y xilo-collage-relieve sobre Juanito Laguna y Ramona Montiel, dos personajes inventados por él que son prototipos narrativos de la niñez explotada en América latina.


Juanito es un chico de "las afueras", surgido de la observación de la realidad del Gran Buenos Aires y sus villas miseria, pero en definitiva un arquetipo de la realidad de los países subdesarrollados. También procedente este mismo ámbito, Ramona Montiel se ha convertido en prostituta para poder sobrevivir y sus vivencias revelan la doble moral social y religiosa del marco social que habita. Dos extremos surgidos desde un mismo vértice cuyas historias irán evolucionando de manera paralela a la sorprendente renovación técnica de Antonio Berni y su deseo de materializar los excesos de la realidad social, de registrar la evidencia de lo cotidiano y sugerir los misterios de lo posible.

A veinte años del fallecimiento de Antonio Berni (1905-1981) tenemos la oportunidad de apreciar veinte de sus construcciones polimatéricas realizadas entre 1965 y 1971. Estas obras, propiedad de coleccionistas privados fueron cedidas para su exhibición conjunta, previo su restauración.


Acorde con el tema de los monstruos, las construcciones tratan de seres de morfología o proporciones anormales, que participan de mitos escatológicos, o sea fenómenos de ultratumba o del fin del mundo.


Nos preguntamos cuáles fueron las razones para que Berni abandonara temporariamente sus concepciones pictóricas del surrealismo y el neorrealismo.


Al parecer este giro en su producción se reveló con la serie de grabados de Juanito Laguna, personaje marginal, que fuera premiada por la Bienal de Venecia de 1962. A partir del personaje de Juanito, creó la saga de sus tribulaciones cotidianas. De inmediato aparece ese otro de Ramona Montiel, personaje femenino arrojado en su pobreza a la prostitución y la marginación social, ello permitió que Berni consolidara su testimonio de la realidad social en sus instantes culminantes. Por ello entendemos que la concepción de los monstruos fue abordaba en relación a los aspectos terroríficos del mundo contemporáneo adquiriendo carácter de denuncia social.


No olvidemos que tradicionalmente los monstruos fueron asimilados a seres de gran fuerza y ferocidad, utilizadas en perjuicio de los hombres. Si bien los monstruos de Berni invaden la conciencia culpable de Ramona, no todos están relacionados con ella. Existen otros con historias separadas que se ocupan de mitos morales sobre temas de la guerra, la destrucción el abandono, la muerte. Estos mitos son los que en la obra de Berni revelan la eterna lucha entre principios contrarios: el bien o el mal, el ángel y Satanás.


En general, las construcciones presentadas, están realizadas con materiales desechables de la sociedad de consumo, por ello altamente degradables como maderas, juncos, pajas, cartón, papel, telas, plumas presentan engarce -más bien incrustaciones- de otros igualmente descartables como tuercas, alambres, tapitas de latón, varillas metálicas.

Así La voracidad resulta terrorífica en su morfología, semejante a un cocodrilo que engulle entre sus fauces un cuerpo de mujer presumiblemente el de Ramona, del cual sólo vemos sus extremidades inferiores ataviadas con medias de red negras. Revelaría la violencia de la sociedad para el consumo rápido.

La hipocresía (1965) está representada por la gigantesca ave que aprisiona con una de sus garras de madera, el cuello de Ramona, del que sólo queda visible el torso. La actitud displicente del monstruo expresa sentimientos contrarios a los que experimenta. Otro de los monstruos, Personaje, de 1965 combina por mitades hombre con pájaro y seguramente representa esa cualidad de los seres que los transforma en poderosos al poseer el salvajismo de los animales y la inteligencia de los humanos.


En otra construcción que combina canastos de diferentes formas y tamaños, complementados por otros materiales metálicos, admiramos El pájaro amenazador. La temible ave suspendida del cielorraso, crea una sensación de vuelo. Su nombre, proyectado sobre una pared blanca, con su leve movimiento acompañado de un logrado efecto de luz, provoca aún mayor terror que la figura, creando la impresión de una mosca gigantesca.


Son muchas más las construcciones a observar que deslumbran por el ingenio de su concepción y por los mensajes que nos transmiten.
Mientras tanto no podemos dejar de comentar ese óleo sobre tela, de grandes dimensiones llamado Bombardeo, de 1953. Con fuerza intimidatoria nos muestra terroríficas maquinas voladoras que vomitan fuego sobre inocentes personajes, algunos ya alcanzados por la muerte. De gran significación para los tiempos actuales es esta premonitoria pintura de 1953 cuya exhibición seguramente fue resuelta con anterioridad a la guerra que ahora nos preocupa, esta guerra de enemigos invisibles que sólo se manifiestan cuando ocurre una gran destrucción.


De ahí el testimonio de actualidad que asignamos a esta muestra que asimila sus monstruos a esos otros personajes enfundados en escalofriantes vestimentas protectoras que los periódicos y la televisión nos muestran a diario.
Los monstruos de la imaginación de Ramona y de Berni y están entre nosotros, algunos de los cuales no asumen la morfología tradicional que les habíamos asignado.
Mientras tanto un rincón de la exposición está dedicado a talleres de arte participativo. Allí los niños pueden realizar sus propios monstruos. Quizá se encuentren por su inocencia, en mejores condiciones para enfrentar sus terrores. Quizá los monstuos sólo son creaciones del subconsciente.

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