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DIAS ONLINE

14 noviembre, 2008

RAUL SOLDI - ARGENTINO













Pintor argentino, representante destacado de la corriente expresionista en su país. Inició sus estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, y prosiguió en la Real Academia de Berra (Italia). Obtuvo, entre otros galardones, el primer premio en el Salón Nacional (1947) y el premio Palanza por la Academia Nacional de Bellas Artes. Está representado en los principales museos del mundo, como el Museo de Artes Moderno de Nueva York (MOMA), Florencia y Milán. Amante del teatro y sus luces escénicas, creó la llamada galería de figuras Soldinas, caracterizadas por su fisonomía melancólica. Entre sus obras se destacan Los frescos de la cúpula del Teatro Colón (Buenos Aires), La Vírgen y el niño (Museo del Vaticano), el biombo Los músicos (1956), el retablo de la Catedral Santa Florentina de Campana, etc.


nacido en Buenos Aires el 27 de Marzo de 1905, Argentina. Inicio sus estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes y en 1921 viajo a Europa. Estuvo en Alemania hasta 1923, en que se traslado a Italia, ingresando en la Real Academia de Brera (Milan) donde permanecio hasta 1932. Se vinculo en esa ciudad al grupo de artistas de vanguardia congregado en torrno de la Galeria del Milione, junto a Manzu, Tornea, Birolli y Sassu. Regreso a la Argentina en 1933 y becado por la Comision Nacional de Cultura recorrio los Estados Unidos. Figuro en el Salon Nacional desde 1930 y en diversos salones provinciales, en la Exposicion Internacional de Paris (1937), en Nueva York (1941 y 1943), etc.

Efectuo numerosas exposiciones individuales en Buenos Aires a partir de 1934. Inquieto y andariego, ha efectuado varios viajes a Europa en distintas fechas. Es el pintor poeta de su generacion y a traves de su vida ha practicado una tematica de fantasia y de recuerdos, con tipicos personajes del circo y del teatro, en sus obras iniciales; abandono paulatinamente esa tematica y afronto posteriormente la composicion con tipos humanos, la naturaleza muerta, el paisaje y retrato. Un clima de sugestiva irrealidad caracteriza sus cuadros como consecuencia de una personalisima estilizacion de las formas y de la fisonomia no menos personal de sus gamas coloristicas, en extremo delicadas y finas, plenas de resonancias poeticas y esencias emotivas. Estas formas, ensambladas con el arabesco, los empastes firmes y los ritmos curvos, las transparencias de los tonos y el convocado clima metafisico, sostienen su pintura que sabe crear expectacion y misterio.

En 1953 realizo una serie de frescos de la iglesia de Santa Ana, en Glew, en los alrededores de Buenos Aires y en 1966 realizo la decoracion de la cupula del Teatro Colon de Buenos Aires, obra que pinto al oleo sobre tela que despues fue montada y adherida a la superficie interior de la cupula. Sus obras figuran en muchos museos, entre ellos, el de Arte Moderno de Nueva York y los de Florencia y Milan. Primer Premio en el Salon Nacional de 1947, en la Bienal de San Pablo (1958) y Mencion de Honor en la II Bienal de Mexico (1960). Premio Palanza otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes. Ilustro "Las chansons de Bilitis", de Pierre Louis, "20 poemas de amor", de Pablo Neruda, etc. En 1968 viajo a Israel para pintar en la basilica de la Anunciacion, en Nazarete, un mural inspirado en el milagro de la Virgen de Lujan.

En julio de 1987 su cuadro "La Virgen y el Niño" fue incorporado a la coleccion de arte sacro de los Museos del Vaticano en Roma. La obra habia sido obsequiada al Papa en ocasion de su visita a la Argentina en 1982. Esta fue la segunda de las obras de Soldi incorporada a la famosa coleccion de la Santa Sede.

El arte nunca progresa, evoluciona..RAUL SOLDI

Estas escuchando la vos del artista, de una entrevista pequeñita en su web oficial, realmente un grande. picamiel




























12 noviembre, 2008

DEMETRIO URRUCHUA- ARGENTINO


Discover Astor Piazzolla!







DEMETRIO URRUCHUA, nació en Pehuajó, Provincia de Buenos Aires, el 19 de abril de 1902. Desde su niñez, exteriorizó su vocación por las artes plásticas, fue autodidacta. Con ese sueño emprendió su viaje a Buenos Aires, capital de la República Argentina.

Aparejada a esta vocación, tuvo otra también muy destacada, la de "conducir" a sus numerosos discípulos que frecuentaron su famoso taller de la calle Carlos Calvo 1770.

En ese taller, se forjaron grandes pintores, grabadores y dibujantes, ganadores muchos de ellos de importantes premios nacionales y extranjeros.

Concurrían también a su taller, famosas personalidades del quehacer cultural, entre otros, ERNESTO SABATO, el poeta LUIS FRANCO, su entrañable amigo LEONIDAS BARLETTA, LEON FELIPE etc. Fue un verdadero maestro, enemigo de la enseñanza académica de la pintura, solía manifestar "...que no se puede enseñar a sentir". Creía en la libertad del artista, de su libro MEMORIAS DE UN PINTOR se transcribe su pensamiento al respecto; decía el maestro: "...el arte es libertad y amor, ya que debe prevalecer el instinto. Pienso que únicamente el artista es el ser privilegiado que posee la virtud o el poder de hacernos vivir un hecho desconocido imponiéndole su sello para que viva eternamente.".

Fue un pintor social, su fuerza y su carácter los plasmó en su vasta obra, a través de un lenguaje franco, valiente, sin temores de ninguna naturaleza. Contradice su firme carácter, con la humildad que siempre caracterizó sus actos.

Todos aquellos que tuvieron el privilegio de escucharlo aunque sólo por una vez, atestiguan la honestidad y honradez de su conducta y de su pintura.

Fue fundador con otros grandes de la plástica nacional Argentina, del TALLER DEL ARTE MURAL juntamente con SPILIMBERGO, CASTAGNINO, BERNI y COLMEIRO.

Expuso por primera vez sus obras, en Amigos del Arte, allá por el año 1931, posteriormente casi la totalidad de las galerías de la Capital Federal y de algunas Provincias, expusieron sus obras. Representó a América Latina en el Salón "CIEN AÑOS DE PINTURA UNIVERSAL" realizado en la ciudad de Boston (EE.UU) en el año 1944. Sus cuadros se exhiben en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Galería DUE MONDI de Arte Internacional de Roma (Italia), en el Museo Municipal de Montevideo (Uruguay). También numerosas colecciones privadas, tienen el privilegio de contar con sus telas. En vida colaboró desinteresadamente con numerosas instituciones de bien público: hospitales, bibliotecas, museos.

Fue un destacado muralista, por suerte el país cuenta con un verdadero tesoro artístico, en el que participó con entusiasmo junto a sus amigos, "LA GALERIA PACIFICO", verdadera joya artística, no solo del país, sino de toda Latinoamérica, según opiniones de destacados críticos de arte. También se pueden admirar, los murales de la Galería San José de Flores, Sociedad Hebraica Argentina y en la ex Universidad de Mujeres de Montevideo.

El pintor ANTONIO BERNI al referirse a la Trayectoria del Realismo entre otras cosas escribió: "...Cuando un intelectual milita en una causa se sabrá si la defiende bien, si la muestra bien en su propia obra de trabajador de la cultura... URRUCHUA es de los que están con la causa de la paz y la DEMOCRACIA, sus ideas viven en sus cuadros, su pensamiento milita en cada una de sus pinceladas. A URRUCHUA nadie lo detiene en su viejo galpón de la calle Carlos Calvo...".

URRUCHUA utilizó la pintura como arma, para luchar contra la injusticia, contra todas las dictaduras y contra el horror de la guerra. Amó la vida e hizo un culto de la libertad y la democracia. Se refleja así su pensamiento en los temas: La Guerra Civil Española; el Gheto de Varsovia; Argelia Mártir; La Divina Comedia, el Infierno del Dante, el Juicio de Burgos.

La muerte, a la que nunca tuvo miedo, lo sorprendió un lluvioso 2 de octubre de 1978, a los 76 años de edad.

07 noviembre, 2008

MUJERES EN PLURAL





De este modo tan singular como es el genero, la fundacion Madrid Mujeres en plural promete estar hasta el 2009-

Tan acostumbrados estamos a ver los cuerpos femeninos tanto en pintura como en fotografía, que no nos damos cuenta de la verdadera trascendencia de género que comporta. Desde Rubens a Helmut Newton, el ideal femenino ha sido, cómo no, un motivo más que explotado y explotado por los creadores. La Fundación Canal de Madrid presenta “Mujeres en plural”, que es una muestra internacional en la que sesenta fotógrafos de hasta 20 países de cuatro continentes (Europa, América, África y Asia) ofrecen un retrato más o menos genérico de la mujer del siglo XX.
Inician la exposición dos imágenes de Edward Steichen, recientemente expuesto en Museo Reina Sofía,con su obra "Portrait Lady" y "The Long Cabin", las más antiguas que, fechadas en 1908 y 1912, muestran un tipo de mujer todavía decimonónica. Ocho años más tarde, la estadounidense Berenice Abbott retrataba a Dorothy Whitney (1920), una activista social que aparecía ante la cámara vestida con una corbata, "burlándose" de su rol de mujer, y sonriendo al objetivo mientras sujeta un cigarrillo con su mano derecha... Pero, hay que anotar que, de todos los rostros femeninos del XX el que más se repite en esta muestra es el de Marilyn, que aparece hasta en cuatro obras. El último en retratarla fue Bern Stern, seis semanas antes de que muriese a consecuencia de una sobredosis de barbitúricos. Hay más actrices en esta exposición, como Greta Garbo o Marlen Dietricht, entre otras. De algún modo, la muestra no sigue unos parámetros conceptuales rígidos en lo que al comisariado se refiere. Y es que la misma no obedece a criterios cronológicos ni pretende convertirse en una radiografía histórica ni antropológica, como señala la comisaria de la exposición, Lola Garrido. Dentro de ésta, encontramos a artistas que han hecho historia; muchos de ellos maestros del siglo XX, que aparecen en los manuales, lo cual, hace que se convierte en un caleidoscopio de la imagen femenina, y por ende, del ideal femenino, que no es lo mismo… Aquí están presentes los objetivos más avezados del género documental (Berenice Abbott, Bill Brandt, Boubat, Elliot Erwitt, Graciela Iturbide, Inge Morath, Man Ray, Rodchenko o Keïta Seydou), del fotoperiodismo (Cartier-Bresson, Dorothea Lange) y, sobre todo, de la fotografía de moda (Munkacsi, Lillian Bassman, Cecil Beaton, Gundlach, William Klein o Irving Penn) Precisamente la fotografía de moda, mayoritaria en la muestra, ha supuesto una impresionante fuente de información no sólo sobre la estética sino también sobre la evolución en el pensamiento y en las actitudes que hicieron posible el triunfo del cliché femenino. Junto a los grandes nombres de la fotografía artística del XX, la exposición ha reservado también un espacio para los “anónimos mínimos”: retratos de álbum de familia, datados entre principios y mitad de siglo, que capturan lo cotidiano y completan esa visión global con pequeñas historias de mujer en su ámbito más íntimo.

Que asi sea, y pasen muchas y muchos por ahi.

picamiel

ARTE MODERNO

Arte moderno es un término referido a la mayor parte de la producción artística desde finales del siglo XIX hasta aproximadamente los años 1970, por oposición al denominado arte academico, que representaría la tradicion; mientras que el arte moderno representaría la experimentacion. Producciones recientes son a menudo denominadas arte contemporaneo, aunque este término también se refiere al arte de la Edad Contemporanea (desde mediados del siglo XVII) . Hay que entender, por tanto, que el concepto de arte moderno no es cronológico, sino estético; de estilo , de sensibilidad o incluso de actitud: un pintor academicista comoWilliam Adolphe Bourguereau (muerto en 1905) no hace arte moderno, mientras que Vincent van gogh (muerto en 1890) indudablemente sí.

El arte moderno representa como innovación frente a la tradición artística del arte occidental una nueva forma de entender la estetica , la teoria y la funcion del arte , en que el valor dominante (en pintura o escultura ) ya no es la imitacion de la naturaleza o su representación literal. La invención de la fotografia había hecho esta función artística obsoleta. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y funciones artísticas, a menudo en formas abstractas.



06 noviembre, 2008

EL CUBISMO


video

La historia del cubismo como un movimiento empieza en 1907 con las Señoritas de la calle Avignon, de Picasso. Las novedades introducidas por Picasso y por Braque, sólo eran la expresión pictórica de una transformación global. Numerosos conceptos habían sido investigados por la ciencia y dejaban atrás teorías aceptadas desde la época de Newton. Las nuevas aportaciones científicas iban a revolucionar el mundo y por supuesto la pintura, que de forma casi clarividente, es una de las primeras disciplinas artísticas en hacerse eco de ello, de cuestiones tan importantes como los nuevos conceptos del tiempo, del espacio, de la energía…
El cubismo evolucionó y se terminó desembarazando del trance que le había supuesto la tradición pictórica y empezó a componer una realidad, artística en su caso, pero nueva, distinta, real e independiente del mundo y de lo anterior.
El análisis que hace el cubismo de la realidad (mejor dicho, de la que autocrea) se basa en las geometrías, en la austeridad cromática, en las diferentes inspiraciones en modelos primitivos o en otras estéticas, orientalizantes o africanas, en el uso del collage, en la multiplicidad de puntos de vista y planos. El fin del cubismo es que el espectador entienda que se encuentra delante de algo diferente, ante una realidad nueva, que no existía y que ha sido creada.
Por ello, el cubismo es uno de los primeros movimientos de la vanguardia estrictamente moderno, pues rompe con lo anterior, con lo académico, con la visión renacentista y con la perspectiva habitual. Rompe con el objeto.
Por ejemplo, la perspectiva es tan solo un postulado que derivaba de las geometrías euclídeas pero no debe de ser definitivo ni el único modo posible de representar la realidad. Los estudios sobre óptica y física, la fotografía y el cine habían generado una nueva forma de ver, nuevas maneras de percibir una narración que aportaría nuevas ideas en el campo de las artes plásticas.
Los pintores del impresionismo habían sido los primeros en proponer que el objeto no tiene importancia y que la pintura y la representación plástica posee unas leyes propias, que se deben investigar y experimentar como cualquier otra disciplina. Además habían expresado que el tema no importaba. Tomando esa línea el cubismo además dinamita la idea la unidad del objeto, del tiempo y del espacio, generando una obra de arte múltiple, sin tema, sin objetos reconocibles pero inmersos dentro de un universo de relaciones espaciales y visuales. La realidad, antes perceptible en el arte, se desestructura.
El cubismo protagoniza la primera alternativa radical a la pintura tradicional. Por estar inmerso en buscar nuevos lenguajes pictóricos, fue un movimiento sin afán provocador, lo que lo diferencia de los movimientos de vanguardia posteriores. Sin embargo fue ampliamente discutido, puesto que el público no lo entendía. Picasso diría en 1923: «El cubismo no es diferente a ninguna otra escuela de pintura. Los mismos principios y elementos son comunes a todas ellas. El hecho que durante mucho tiempo el cubismo no haya sido comprendido y que aún hoy haya gente que no vea nada en él, no significa nada. Yo no entiendo inglés, y por lo tanto un libro en inglés para mí, es un libro en blanco. Esto no significa que el idioma inglés no exista. ¿Por qué culpar a nadie más que a mí mismo si no puedo entender algo de lo que no sé nada?»
Apollinaire publica en 1913 un manifiesto que se convirtió en la referencia teórica del grupo. Decía que Picasso estudiaba el objeto como un cirujano diseca un cadáver.
Moholy-Nagy establece el decálogo de novedades aportadas por el nuevo código de expresión:
1. Distorsión.2. Giro de los objetos.3. Cortes: el empleo de las partes en lugar del total.4. Desplazamiento: dislocamiento de las partes. Refracción de líneas y ruptura de líneas continuas.5. Superposición de distintas vistas de los objetos.6. Introducción de líneas geométricas exactas, rectas y curvas.7. Cambio de líneas o planos positivo-negativos.8. Múltiples formas en una. Pluralismo. Un contorno se refiere a varias formas.9. Objetos: tipos de imprenta, sobres, mesa, pata de mesa, guitarra, violín, fruta, frutero, copa, botella, caja, pájaro muerto, pez, panel, naipe, pipa, envoltorio de tabaco (la atmósfera traducida por estos objetos es la de un café de París).10. Materiales y técnicas para el tratamiento de la superficie: cartón corrugado, papel para pared, mármol, madera fibrosa, arena, tipografía de periódicos, polvo de mármol, alambre tejido, peinado, enredado y raspado de pigmento.

Cubismo. Pintura y escultura cubista
Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.
George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.
Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él. Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. Su fórmula era la forma-color. Él cree que la naturaleza no se dibuja, sino que se manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura de Cézanne no es una pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de formas. Y una vez creadas, hay que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo impulsa a mirar los objetos desde varios puntos de vista.
Estas lecciones fueron asumidas por el cubismo que hará un replanteamiento de la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino que tiene que reconstruirla en su mente para poder comprenderla.
El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada. Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.
Etapas del Cubismo
Se distinguen diversas fases en el desarrollo del Cubismo.
Cubismo Analíticocaracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.
Cubismo SintéticoAl Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.
Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el cuadro de elementos de la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El primero en practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto, a partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen global.
Pintores Cubistas
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.
Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La fábrica de Horta de Ebro, y retrato de Ambosio Vollard.
En Naturaleza muerta con silla de rejilla, Guitarra y en Naturaleza muerta introduce el collage.
A partir de 1915 dirigirá su atención hacia otros campos de investigación e irá definiéndose su eclecticismo reelaborando experiencias anteriores con gran libertad, como el surrealismo y el expresionismo.
El Guernica, el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el bombardeo del 26 de Abril de 1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica, responde a los modos intelectuales de los cubistas, a la simbología del surrealismo y a las deformaciones expresionistas.
George Braque (1882-1963)
Es el otro gran creador del cubismo junto a Picasso. En L´Estanque, cerca de Marsella descubrió que se pueden simplificar las formas reduciéndolas a prismas y cilindros. Son características sus naturalezas muertas, empleando con frecuencia la guitarra, el violín o la mandolina.
En Naturaleza muerta con naipes reduce el cromatismo a colores grises y geometriza y descompone las formas para crear una nueva realidad mediante superposiciones y transparencias.
También introducirá en sus pinturas los collages. Sus obras más destacadas son El bodegón de la guitarra, El bodegón del violoncelo, El taller del pintor.
Juan Gris (1887-1927)
Su cubismo es fundamentalmente sintético y coloreado. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Esta mezcla de suavidad y energía la observamos en la ordenación de sus bodegones, realizados a base de planos muy violentos. Los elementos que aparecen son vasos, botellas, diarios, fruteros, pipas, arlequines, elementos musicales. Apenas trata otro tema que el del bodegón. Naturaleza muerta, El desayuno, Naturaleza muerta sobre una silla.
Fernand Leger (1881-1955)
El cubismo de Leger tiende hacia formas de aspecto mecánico y tubular. Le importa la vida cotidiana y el maquinismo de la gran ciudad. En su Partida de cartas, los protagonistas han sido convertidos en una especie de robots metálicos. Seguirán otros cuadros como Los acróbatas, Los cilindros, Las hélices, etc. Sus personajes son vistos con cierto carácter de autómatas.
El comienzo de la Primera Guerra Mundial fracciona el Cubismo, pero seguirá existiendo en experiencias como el purismo, la Sección Aurea o Sección de Oro y el constructivismo ruso.
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Aunque se acepta que el cubismo como movimiento artístico comienza en 1907, fecha de Las señoritas de la calle Avinyó, de Pablo Picasso (ése es el nombre original de Las señoritas de Avignon), la verdad es que ese cuadro supone una culminación de experiencias iniciales, ya en 1906. Dos son los formuladores del cubismo, Georges Braque y Pablo Picasso. Comparte determinados aspectos como la admiración, en la historia del arte de Seurat y, sobre todo, de Cézanne. Además siguen a Matisse en la nueva admiración por el arte de los pueblos no europeos, la escultura africana y oceánica. A comienzos de 1908 Braque y Picasso realizan una estancia en el sur de Francia, en la localidad de L' Estaque; será un año de intensa amistad y trabajo en común, de forma que en apenas un año el cubismo tiene unas sólidas bases y un perfil propio. El cubismo es una titánica reflexión intelectual y visual sobre la forma. Pese al aspecto de algunos cuadros cubistas la forma siempre fue respetada, no cruzando nunca el umbral de lo abstracto. Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas, los elementos que se disponen de modo caótico sobre la mesa de un café. Se pueden distinguir diversas fases en el desarrollo del cubismo. Después del momento inicial, hacia 1910-1911 se define el llamado cubismo analítico, el más críptico de todos, donde forma y fondo se entremezclan, se confunden. A partir de entonces la pintura recompone su imagen, proceso en el que cabe mencionar a Juan Gris (1887-1927). Es cuando surge la técnica del collage, en la que se recortan planos de diversos materiales y se pegan a la superficie del lienzo. El comienzo de la Primera Guerra Mundial fracciona el cubismo, que seguirá subsistiendo en experiencias como el purismo, la Section d'Or o el constructivismo ruso.


01 noviembre, 2008

Dali, Dali.....




Genial artista catalán, uno de los máximos exponentes del surrealismo que desarrolló en multitud de facetas: pintura, grabado, orfebrería y decoración. Como buen "catalán universal" difundió sus ideas por medio mundo, manteniendo sin embargo un profundo apego a su tierra natal.

Su obra se ha relacionado con frecuencia con el subconsciente y el psicoanálisis ya que acostumbraba a plasmar en ella sus obsesiones.

Iconoclasta impenitente se auto-proclamó "El Divino".

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